Encontrar un estilo visual para tu juego: Consejos para principiantes

Una guía para principiantes sobre estilos artísticos de videojuegos, casos de uso sugeridos y cinco hábitos para mantener la coherencia visual de tu juego.

Ya sabes cuál es el estilo de un juego, aunque nunca hayas tenido que ponerle nombre. A simple vista, se puede distinguir un juego con gráficos pixelados y de aspecto retro de una caricatura fluida o de un mundo 3D cinematográfico. Cuando empiezas a crear tu propio juego, ese instinto se convierte en una decisión: ¿qué aspecto debería tener tu juego?

En resumen, no existe un único estilo que sea el mejor; depende de tu idea, tus recursos y lo que creas que conectará con tu jugador ideal. Lo más importante es elegir un estilo que se ajuste a tu idea y que puedas mantener coherente desde la primera hasta la última pantalla. Esta guía repasa los estilos artísticos más comunes en los videojuegos, las fortalezas de cada uno y ofrece algunos hábitos sencillos para ayudarte a crear un juego con una estética coherente en lugar de varias estéticas unidas sin cohesión.

Por qué la consistencia supera al detalle

Resulta tentador pensar que los juegos con mejor aspecto son los que tienen mayor nivel de detalle. Pero el nivel de detalle por sí solo no hace que un juego parezca terminado. Lo que probablemente sea más importante es asegurar que todos los elementos visuales parezcan pertenecer a un mismo conjunto.

Cuando algunas partes de un juego no coinciden, los jugadores lo notan. El pixel art tiene una regla bien conocida al respecto: no se deben mezclar ilustraciones dibujadas con diferentes resoluciones, ya que combinar sprites (las imágenes 2D utilizadas para personajes y objetos) dibujados con diferentes tamaños puede hacer que un juego parezca amateur y confuso. Esa regla es específica del pixel art, pero la idea que hay detrás funciona para cualquier estilo. Un juego con piezas que no combinan puede dar la sensación de estar inacabado, incluso cuando cada pieza tiene buen aspecto por sí sola.

Así que, al leer los estilos que aparecen a continuación, no te preguntes solo "¿Cuál me gusta más?". También pregunta "¿Con cuál puedo quedarme?"

Un breve recorrido por los estilos artísticos más comunes en los videojuegos.

El pixel art se construye a partir de una cuadrícula visible de pequeños cuadrados.

El pixel art crea imágenes a partir de una cuadrícula de bloques, tradicionalmente con una gama limitada de colores. Esta técnica surgió por necesidad: los primeros desarrolladores de videojuegos tenían recursos limitados, por lo que sacaron el máximo provecho de una cuadrícula pequeña y un puñado de colores.

Hoy en día, el pixel art es una elección deliberada. Algunos juegos lo utilizan para evocar nostalgia, pero no tiene por qué tener un aspecto retro: el pixel art moderno puede usar una gama de colores mucho más amplia que los 16 o 256 que tenían disponibles los primeros juegos.

¡Atención a la constancia! Elige una resolución y cúmplela. Si un personaje parece haber sido dibujado con cuadrados más grandes o más pequeños que todo lo que lo rodea, la pantalla en su conjunto empieza a verse desequilibrada.

El arte low-poly transforma formas 3D simples en un estilo propio.

En los juegos 3D , los objetos se construyen a partir de superficies planas llamadas polígonos. El arte de baja poligonalidad mantiene pequeño el número de esas superficies, por lo que las formas se ven simples y cuadradas. Al igual que el pixel art, comenzó como un producto de las limitaciones del hardware: Los juegos en 3D para consolas de mediados de la década de 1990 tenían que usar un número reducido de polígonos debido a la limitada potencia de procesamiento y memoria.

Algunas personas consideran que este estilo está desfasado, pero aún puede ser una buena opción, dependiendo de lo que espere tu público. Además, en general es más fácil lograr que el arte de baja poligonalidad luzca bien que un estilo 3D realista, aunque sigue requiriendo más trabajo que el arte 2D .

Atención a la coherencia: mantén el mismo nivel de simplificación en todo tu entorno. Un único objeto con gran nivel de detalle en una escena de baja resolución destacará por las razones equivocadas.

El estilo artístico cel-shaded (de dibujos animados) hace que el 3D parezca una caricatura.

El sombreado cel-shading, también llamado sombreado toon, consiste en tomar modelos 3D y darles un aspecto plano, similar al de los dibujos animados. En lugar de degradados suaves y sombras sutiles, utiliza colores sólidos planos, a menudo con contornos marcados, una paleta limitada y transiciones abruptas entre la luz y la sombra.

Este estilo se suele utilizar para crear una sensación de diversión, nostalgia o evasión, y puede funcionar mejor en hardware menos potente que un estilo 3D realista.

Atención a la coherencia: los esquemas y las reglas de sombra deben ser los mismos para cada personaje y objeto. Si algunos elementos tienen contornos gruesos y otros no, el efecto de dibujo animado se rompe.

El arte dibujado a mano aporta un toque artesanal visible a la pantalla.

Los juegos dibujados a mano utilizan ilustraciones realizadas tradicionalmente en papel o dibujadas digitalmente, e incluso algunos juegos utilizan modelos de arcilla hechos a mano y animados con la técnica de stop-motion. El enfoque artesanal puede añadir encanto y una atmósfera única, lo que lo convierte en una opción ideal para juegos narrativos o juegos que buscan una conexión emocional. Debido a su estilo más impresionista, el arte dibujado a mano también puede ayudar a que un juego parezca atemporal; los estilos realistas tienden a envejecer más rápidamente, ya que se comparan con el constante cambio de la vida real y los avances en la tecnología gráfica.

Atención a la coherencia: El grosor de la línea, la textura del pincel y la técnica de coloración son el sello distintivo de un juego dibujado a mano. Decide cuáles son desde el principio y mantén la constancia.

El arte vectorial utiliza formas definidas que se adaptan a cualquier tamaño.

Mientras que el pixel art se crea a partir de una cuadrícula, el arte vectorial se crea a partir de formas definidas matemáticamente, por lo que se puede ampliar o reducir sin perder calidad. Esa flexibilidad ayuda a que un juego se vea nítido en diferentes tamaños de pantalla. El arte vectorial también permite mantener el tamaño de los archivos reducido, lo cual es una de las razones por las que es una opción popular para juegos móviles ligeros.

Atención a la coherencia: El arte vectorial tiene un aspecto limpio por defecto, por lo que puede llegar a parecer genérico. Elige un enfoque coherente para los contornos, las esquinas y el sombreado, de modo que el estilo se sienta como propio.

El objetivo de los 3D realistas es que se parezcan al mundo real.

El arte 3D realista intenta crear personajes y lugares que se parezcan mucho a la vida real, y tradicionalmente ha sido más común en los videojuegos de gran presupuesto. Puede resultar inmersivo y visualmente impactante, pero también es el estilo más exigente de esta lista. Requiere muchos recursos, a menudo exige un PC o una consola de gama alta para jugar, y consume tanto tiempo y trabajo que normalmente no es una opción para los creadores individuales. También puede envejecer rápidamente a medida que la tecnología mejora.

Atención a la coherencia: el realismo pone el listón muy alto en todas partes. Si los personajes parecen realistas pero los árboles no, los jugadores notarán esa falta de realismo.

El arte monocromático reduce el color a lo esencial.

Algunos juegos utilizan una gama de colores muy limitada, generalmente solo blanco y negro. Esto no es tanto un estilo en particular, sino más bien un límite que se puede aplicar a muchos estilos, desde el minimalismo más austero hasta la estética de la animación vintage. El gran reto consiste en crear profundidad sin color: tonos más oscuros para las sombras, tonos más claros para las luces y un uso cuidadoso del espacio vacío para definir las formas.

Atención a la coherencia: Con tan pocos colores, el contraste hace la mayor parte del trabajo. Asegúrate de que los elementos importantes (el jugador, los enemigos, los objetos para recolectar) siempre destaquen sobre el fondo.

Cinco hábitos que mantienen tu estilo coherente.

Elegir un estilo es el primer paso. Mantener la consistencia durante todo el partido es donde reside la mayor parte del trabajo. Estos hábitos se aplican independientemente del estilo que elijas.

1. Establece tus límites antes de empezar.

Establecer algunos límites de antemano le da a cada nueva obra de arte algo con lo que compararse. En el caso del pixel art, eso significa elegir una resolución base (el tamaño del lienzo sobre el que se dibuja todo) antes de empezar a crear nada. En cuanto al color, uno de los métodos más sencillos consiste en elegir una paleta fija y utilizar únicamente esos colores. Una vez definida la paleta de colores, no hay que volver a pensar en ello: cada nueva obra de arte encaja automáticamente.

Si no quieres una paleta de colores estricta, ten a mano tus colores más utilizados y reutilízalos. En los juegos sin límites de color, un error común es que algunas piezas no utilicen colores que podrían compartir con el resto del juego.

2. Elige un lenguaje de formas.

Las formas pueden dar pistas sobre la personalidad de un personaje a primera vista, antes de que el jugador se fije en los detalles. En el diseño de personajes, los círculos tienden a transmitir una sensación de amabilidad y accesibilidad, los cuadrados, de fortaleza y fiabilidad, y los triángulos, de peligro o dinamismo. Un mismo carácter puede transmitir una imagen amigable, robusta o amenazante simplemente cambiando la forma que predomina en el diseño.

Para tu juego, eso podría significar formas redondeadas y suaves para los personajes útiles y formas afiladas y angulares para los enemigos. Una vez que elijas, aplica las mismas reglas en todas partes para que los jugadores aprendan a comprender tu mundo de un vistazo.

3. Prueba la silueta.

Una silueta es el contorno sólido de un personaje u objeto, sin color ni detalles. Un diseño de personaje sólido y distintivo debería poder identificarse, al menos en cierta medida, a partir de su contorno. Rasgos distintivos como un sombrero, un accesorio o una forma de estar de pie pueden hacer que un personaje sea reconocible incluso por su simple forma.

Inténtalo tú mismo: imagina a tu personaje principal como una figura negra sólida. ¿Aún puedes decir quién es? De lo contrario, considere la posibilidad de añadirles alguna característica que haga que su diseño destaque.

4. Asigna reglas propias a cada parte de tu juego.

Tu juego tiene más de una capa: el mundo jugable, los menús, el mapa, la visualización de la puntuación o la salud. Resulta útil pensar en ellos como “mundos” separados. No hay problema en que tengan un aspecto diferente entre sí, siempre y cuando cada uno siga sus propias reglas y los estilos no se filtren de un mundo a otro.

Por ejemplo, el mundo de tu juego podría ser de pixel art, mientras que tus menús usarían gráficos fluidos de alta resolución, y eso puede verse genial. Lo que resulta extraño es que el arte de uno de esos mundos aparezca en el otro, como un icono de pixel art en medio de tus menús elegantes.

5. Escribe tus reglas.

Los estudios de videojuegos recopilan sus reglas visuales en un documento que a menudo se denomina "biblia del arte", y lo utilizan para mantener la coherencia del estilo artístico, especialmente cuando más personas empiezan a contribuir con su trabajo artístico. No necesitas nada tan formal. Una sola página es suficiente: tu estilo, tu paleta de colores, tus reglas de formas y algunas imágenes de referencia que capturen la sensación que deseas transmitir.

Tener las reglas en un solo lugar facilita todas las decisiones futuras y proporciona algo concreto con lo que comparar las nuevas obras de arte. También facilita describir tu estilo de la misma manera en cada ocasión.

Adapta tu estilo a tu juego.

Unas cuantas preguntas pueden ayudarte a reducir tus opciones:

• ¿Qué deberían sentir los jugadores? Los diferentes estilos se adaptan a diferentes estados de ánimo. Por ejemplo, las ilustraciones dibujadas a mano se suelen elegir para juegos con una fuerte carga narrativa y emocional.
• ¿Qué esperan los jugadores de este tipo de juegos? Algunos tipos de juegos se prestan a ciertos estilos, y su público puede esperar una estética particular.
• ¿De cuánto tiempo dispones? El arte realista requiere mucho tiempo y trabajo, por lo que normalmente no es la opción más práctica para los creadores que trabajan solos. Un estilo que puedas terminar es mejor que un estilo que solo puedas empezar.
• ¿Cómo lo jugará la gente? Si tu juego está pensado para teléfonos o dispositivos de menor potencia, los estilos más ligeros, como el arte vectorial o el sombreado plano, pueden tener un mejor rendimiento que el 3D realista.

Ante todo, piensa en cómo interactúan el arte y la jugabilidad. El estilo artístico y la jugabilidad deben considerarse como una sola idea, no como dos decisiones separadas.

Tu estilo, tus reglas

Los estilos de juego más memorables no siempre son los más detallados. Son aquellas en las que cada pieza encaja a la perfección. Elige un estilo que se ajuste a tu idea, establece algunas reglas sencillas y síguelas. Puede que los jugadores no sepan explicar por qué tu juego se siente pulido, pero notarán que lo está.

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